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不感兴趣
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如此，我们若不贴身地深入自然，便难以把握其中的要素；凝练的表现千千万，但德彪西的追求要明快，纯粹是他的感性趣味；哪里勾起了他的魂，哪里弹得飞快有力；哪里勾走了他的魂，哪里滑得舒缓静默……
后面会放个德彪西自己的piano rolls（既然是纸卷录音，就别指望听音色了）和现在流传的几位名家名盘的节选对比。
德彪西推崇肖邦与李斯特的弹琴方式，德彪西也爱用rubato。
当然世界那么大，“all roads lead to Rome”，只不过听了很多名盘，然后误解作者的趣味，也是一种遗憾。而我又刚好崇尚自然，尤其是自然生态，更倾向于德彪西本人的趣味，所以就写一写。
那么，回到Inghelbrecht指挥棒下的“Debussy”
后面会放个德彪西自己的piano rolls（既然是纸卷录音，就别指望听音色了）和现在流传的几位名家名盘的节选对比。
德彪西推崇肖邦与李斯特的弹琴方式，德彪西也爱用rubato。
当然世界那么大，“all roads lead to Rome”，只不过听了很多名盘，然后误解作者的趣味，也是一种遗憾。而我又刚好崇尚自然，尤其是自然生态，更倾向于德彪西本人的趣味，所以就写一写。
那么，回到Inghelbrecht指挥棒下的“Debussy”
还记得第一次听Inghelbrecht对德彪西的诠释时（《圣塞巴斯蒂安的殉难》），心里是有点被吓到的。相比于更现代的一些录音，那铜管组跟打了鸡（和谐）血（和谐）似的，小提琴那叫一明亮。丝柔？丰腴？不存在的。
听完Inghelbrecht，再听Martinon、MTT、海廷克，弦乐群的质感一个比一个柔美，尤其是海廷克与rco的合作，用丰腴形容不为过。
当然，其中有乐器演变的因素，但是Serge Baudo在那个年代也有与rtf合作的现场录音，听起来就是很有朦胧美，这点是和Baudo后来的录音室作品一脉相承的，还有其他指挥家与rtf的现场录音为参照。所以可以说指挥家的风格就是如此。
如果说在Martinon指挥下，乐团的织体变化表现得很透明，在Baudo那是朦胧的，在Inghelbrecht那里，就仿佛有强光照射，并反射出明亮的光泽——很显眼。
听完Inghelbrecht，再听Martinon、MTT、海廷克，弦乐群的质感一个比一个柔美，尤其是海廷克与rco的合作，用丰腴形容不为过。
当然，其中有乐器演变的因素，但是Serge Baudo在那个年代也有与rtf合作的现场录音，听起来就是很有朦胧美，这点是和Baudo后来的录音室作品一脉相承的，还有其他指挥家与rtf的现场录音为参照。所以可以说指挥家的风格就是如此。
如果说在Martinon指挥下，乐团的织体变化表现得很透明，在Baudo那是朦胧的，在Inghelbrecht那里，就仿佛有强光照射，并反射出明亮的光泽——很显眼。
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不过，若只是在音色、织体上下功夫，Inghelbrecht也不是给我印象最深的一个（他和Martinon、Manuel Rosenthal相比，我还更喜欢后两人的一些，尤其是Rosenthal，那种弦乐群奏如在耳边丝丝细语的感觉，很难得）。Inghelbrecht的速度是打动我的真正关键。
Inghelbrecht诠释德彪西的作品时，速度变化充满弹性，同时又非常切合乐谱的内律，行进连贯。
德彪西有过这样的表达，讨厌两种诠释：
1.“恭谨的演奏”：“由于害怕抖动世纪的灰尘而放慢速度，从而抹去了音色的细微差别。”
2.与上面对立，不顾作品、随心所欲的演奏——“如雨中下葬。”
德彪西推崇“不给曲子加满评注，而是突出曲子魅力”。
速度、节奏的弹性变化正是德彪西赋予他作品的特点之一，强调力度和极端的音响也经常出现在乐谱中，恰当地突出这些特点正是突出作品的魅力，德彪西的钢琴卷听起来就是如此——是出于德彪西对“神秘”的追求？亦或是德彪西真情的流露？无所谓了，都是德彪西音乐的一部分。
对我来说，以Jeux为例，Martinon那个七十年代的录音室作品，我有好久没听了——仅仅只是因为有两个乐句间的速度变化太没存在感了（大概是十一分钟左右，震音织体大面积铺开前后，具体我也记不清是哪小节了，太久不听，但是给我的印象却固定了233），因为这两个乐句前后正是音乐氛围、场景变化的时候。
Inghelbrecht的处理，有些地方的速度变化是慢慢地引人侧耳倾听，有些地方的速度变化却一定要似飞鸟疾梭而过，自然又高效地吸引住人群的目光——就跟看剧似的，有些地方要潜移默化的改变人，该转折的时候也要体现出弹性，否则，过后的剧情只会让人觉得突兀。
Inghelbrecht诠释德彪西的作品时，速度变化充满弹性，同时又非常切合乐谱的内律，行进连贯。
德彪西有过这样的表达，讨厌两种诠释：
1.“恭谨的演奏”：“由于害怕抖动世纪的灰尘而放慢速度，从而抹去了音色的细微差别。”
2.与上面对立，不顾作品、随心所欲的演奏——“如雨中下葬。”
德彪西推崇“不给曲子加满评注，而是突出曲子魅力”。
速度、节奏的弹性变化正是德彪西赋予他作品的特点之一，强调力度和极端的音响也经常出现在乐谱中，恰当地突出这些特点正是突出作品的魅力，德彪西的钢琴卷听起来就是如此——是出于德彪西对“神秘”的追求？亦或是德彪西真情的流露？无所谓了，都是德彪西音乐的一部分。
对我来说，以Jeux为例，Martinon那个七十年代的录音室作品，我有好久没听了——仅仅只是因为有两个乐句间的速度变化太没存在感了（大概是十一分钟左右，震音织体大面积铺开前后，具体我也记不清是哪小节了，太久不听，但是给我的印象却固定了233），因为这两个乐句前后正是音乐氛围、场景变化的时候。
Inghelbrecht的处理，有些地方的速度变化是慢慢地引人侧耳倾听，有些地方的速度变化却一定要似飞鸟疾梭而过，自然又高效地吸引住人群的目光——就跟看剧似的，有些地方要潜移默化的改变人，该转折的时候也要体现出弹性，否则，过后的剧情只会让人觉得突兀。
但是Munch这位指挥家有时一样能做到上述的特点（甚至单纯听速度，Munch比Inghelbrecht更富于弹性，常常听得人心潮澎湃，尤其是Munch的现场录音，有时都会让人觉得有点夸张233），Inghelbrecht对德彪西的诠释还有一个独到之处——他喜欢把德彪西音乐中的细节全盘而出。
这也得益于德彪西音乐的特点，德彪西在谱曲、配器时就很注重梳理，音乐就是单主线的，所以全盘而出也没有不分主次的困扰，甚至在高潮时更能激动人心——更应该说，正是由那些貌似零散的细节才构成了德彪西追求的简洁旋律线，局限于某一处细节，尤其是动机，反而使人疑惑。
就像聆听德彪西自己的钢琴卷，经常是随着高潮，真情一跃而出，无论左手和右手。听完他的钢琴卷，再去听Gieseking、Bavourzet等人的名盘，便会不自觉地注意起钢琴家对乐句的梳理，高潮将至，情感却自然淡了几分。
而Munch的指挥，也能明显听出指挥家梳理出的声部间的主次关系，让原本因为他的速度而升起的情绪难以抒发——也许Inghelbrecht不及Munch激情，却更为透彻。
这也得益于德彪西音乐的特点，德彪西在谱曲、配器时就很注重梳理，音乐就是单主线的，所以全盘而出也没有不分主次的困扰，甚至在高潮时更能激动人心——更应该说，正是由那些貌似零散的细节才构成了德彪西追求的简洁旋律线，局限于某一处细节，尤其是动机，反而使人疑惑。
就像聆听德彪西自己的钢琴卷，经常是随着高潮，真情一跃而出，无论左手和右手。听完他的钢琴卷，再去听Gieseking、Bavourzet等人的名盘，便会不自觉地注意起钢琴家对乐句的梳理，高潮将至，情感却自然淡了几分。
而Munch的指挥，也能明显听出指挥家梳理出的声部间的主次关系，让原本因为他的速度而升起的情绪难以抒发——也许Inghelbrecht不及Munch激情，却更为透彻。
虽然我前面说Inghelbrecht的速度最能打动我，其实若问我觉得Inghelbrecht的诠释特点哪个最重要，那我真答不上来。
因此，要谈趣味，也不能漏了乐团，乐团的气质能在一定程度上填补指挥家的空白。
目前能听到的Inghelbrecht对德彪西的诠释，都是和法国乐团合作的——一般的顶级或一流乐团，合奏紧致，弦乐群奏的质感或丰腴的纯粹，或静雅的纯粹；而法国乐团，很多合奏都没那么紧致，所以也没那么柔美素净，有时还听着跟打了鸡（和谐）血（和谐）似的，但相应的蕴含了更丰富、更细微的音色变化。
这样的特点对德彪西的趣味来说，不可谓不重要。
比如注重理性表现、以精确著称的Boulez，我能找到的Jeux录音中，他有三版，两个录音室作品（新爱乐乐团NPO、克利夫兰管弦乐团CO），一次现场（1966年，OrchestreDe La Société Des Concerts Du Conservatoire，巴黎管弦乐团的前身）。
Boulez这三次诠释差不太多，都是把“明快、凝练”和“神秘”结合得很好，但感性之情不够洋溢（给人的感觉也不是没感情，就像决心献身科研也是一种感情，就是着力点总在理性的技术性方面）。
然而这三次的感受又不同——主要源于乐团；尤其是和CO的合作，音色听起来很冰；NPO胜在合奏紧致的同时又温文尔雅，相应的也少了丝丝细语的感觉；而1966年那次现场听起来，音色得到了解放（我感觉也有环境影响），让Boulez的诠释溢出了些感性之情。
于是这个1966年的现场就成为了我目前听得最多的Jeux版本（Inghelbrecht留下的Jeux录音在质量上有硬伤，要么单声道，要么会破坏音乐的连贯性）。
因此，要谈趣味，也不能漏了乐团，乐团的气质能在一定程度上填补指挥家的空白。
目前能听到的Inghelbrecht对德彪西的诠释，都是和法国乐团合作的——一般的顶级或一流乐团，合奏紧致，弦乐群奏的质感或丰腴的纯粹，或静雅的纯粹；而法国乐团，很多合奏都没那么紧致，所以也没那么柔美素净，有时还听着跟打了鸡（和谐）血（和谐）似的，但相应的蕴含了更丰富、更细微的音色变化。
这样的特点对德彪西的趣味来说，不可谓不重要。
比如注重理性表现、以精确著称的Boulez，我能找到的Jeux录音中，他有三版，两个录音室作品（新爱乐乐团NPO、克利夫兰管弦乐团CO），一次现场（1966年，OrchestreDe La Société Des Concerts Du Conservatoire，巴黎管弦乐团的前身）。
Boulez这三次诠释差不太多，都是把“明快、凝练”和“神秘”结合得很好，但感性之情不够洋溢（给人的感觉也不是没感情，就像决心献身科研也是一种感情，就是着力点总在理性的技术性方面）。
然而这三次的感受又不同——主要源于乐团；尤其是和CO的合作，音色听起来很冰；NPO胜在合奏紧致的同时又温文尔雅，相应的也少了丝丝细语的感觉；而1966年那次现场听起来，音色得到了解放（我感觉也有环境影响），让Boulez的诠释溢出了些感性之情。
于是这个1966年的现场就成为了我目前听得最多的Jeux版本（Inghelbrecht留下的Jeux录音在质量上有硬伤，要么单声道，要么会破坏音乐的连贯性）。
最后一点分享（晚上发一点Inghelbrecht的）
先是，钢琴卷与一些名盘的截取片段，钢琴卷的音色就不要在意了233，听别的方面吧：
pan和.baidu谐.com文/s爱/1RgljgGWTsIkq8国_TyhxT3明EA
码：asdf
德彪西的钢琴卷有两种录音版本，我这里选的是用修复的纸卷钢琴录出来的，还有一版是用一种装置使钢琴卷在现代钢琴上播放——我手里也有，但感觉不靠谱（有的曲子比纸卷钢琴放出来的更快，有的还更慢，曲目还不全）。
Gieseking、Michelangeli等人的版本能成为名盘，因为他们弹得确实有魅力，也没谁规定就一部作品只能按作者本人的趣味演绎，德彪西自己也喜欢感受每次演出的差异，只不过很多名盘和德彪西本人的趣味也确实还不一样。
先是，钢琴卷与一些名盘的截取片段，钢琴卷的音色就不要在意了233，听别的方面吧：
pan和.baidu谐.com文/s爱/1RgljgGWTsIkq8国_TyhxT3明EA
码：asdf
德彪西的钢琴卷有两种录音版本，我这里选的是用修复的纸卷钢琴录出来的，还有一版是用一种装置使钢琴卷在现代钢琴上播放——我手里也有，但感觉不靠谱（有的曲子比纸卷钢琴放出来的更快，有的还更慢，曲目还不全）。
Gieseking、Michelangeli等人的版本能成为名盘，因为他们弹得确实有魅力，也没谁规定就一部作品只能按作者本人的趣味演绎，德彪西自己也喜欢感受每次演出的差异，只不过很多名盘和德彪西本人的趣味也确实还不一样。
原本写在dx300听感文里的一段（修改了下），也整理进这帖子吧：
有些演绎顺应于时代的审美而盛传至今，有些演绎因为揭示了音乐被人忽视的美而闻名遐迩，乃至改变了演奏的风潮。对于德彪西的作品来说，这样的演奏者可以是Gieseking，可以是Michelangeli，也可以是海廷克、切利比达克。
但是也总有一批人，无论什么时代，都执着于发掘作品的本真。对于德彪西的作品，本真的演奏者是德彪西自己，是Inghelbrecht。
对我来说，以前，听德彪西的音乐，可以无形间强化我对生态、进化、热力学、系统科学。。。。。。的认识，对称与破缺、有序与无序、演化与可逆，我沉迷于这种视角上的转化，这正是德彪西赋予音乐的技术；但认识总要有成型的时候，不能表现这种认识的演绎，不听——不符合我的初衷，听它作甚？专注于这认识的演绎，不听——都掌握了还听它何用？于是德彪西的作品就被我冷落了。
直到听了德彪西的钢琴卷以及Inghelbrecht的唱片——对称与破缺、有序与无序，技术性的认知是他们表达情感的依托，真情的流露又引出了技巧的万千变化——而流行的名盘或钻不进对立统一的意趣，或止于斑斓缤纷的遐想、载不住许多愁。
当革新成为了潮流、流行成为了传统，本真就颠覆为了最大的新意。
有些演绎顺应于时代的审美而盛传至今，有些演绎因为揭示了音乐被人忽视的美而闻名遐迩，乃至改变了演奏的风潮。对于德彪西的作品来说，这样的演奏者可以是Gieseking，可以是Michelangeli，也可以是海廷克、切利比达克。
但是也总有一批人，无论什么时代，都执着于发掘作品的本真。对于德彪西的作品，本真的演奏者是德彪西自己，是Inghelbrecht。
对我来说，以前，听德彪西的音乐，可以无形间强化我对生态、进化、热力学、系统科学。。。。。。的认识，对称与破缺、有序与无序、演化与可逆，我沉迷于这种视角上的转化，这正是德彪西赋予音乐的技术；但认识总要有成型的时候，不能表现这种认识的演绎，不听——不符合我的初衷，听它作甚？专注于这认识的演绎，不听——都掌握了还听它何用？于是德彪西的作品就被我冷落了。
直到听了德彪西的钢琴卷以及Inghelbrecht的唱片——对称与破缺、有序与无序，技术性的认知是他们表达情感的依托，真情的流露又引出了技巧的万千变化——而流行的名盘或钻不进对立统一的意趣，或止于斑斓缤纷的遐想、载不住许多愁。
当革新成为了潮流、流行成为了传统，本真就颠覆为了最大的新意。
