在我看来，评价一首流行音乐的标准大概可以分为这几点。

1.音乐本身（内涵）
这部分探讨的是音乐最本质，最纯粹的部分。客观占大部分。

1.1:人声
1.1.1:音域，音调
这两我觉得没啥好说的，演唱者基本的要求。而且随着时间的流逝，这两的要求都越来越低。

1.1.2:音色，人声效果，配唱
其中音色其实还蛮重要的，作为一个区分演唱者，增加辨识度，也可以体现了一部分演唱者的气质和特色。比如许嵩，周深，王菲，这种明显有特色的音色，其实可以让听众达到过耳不忘的效果。人声效果，其实主要是人声加一些处理，比如auto tune类似，人声效果很考验制作人的水平，加的好，有锦上添花的效果，不好的话，歌曲悦耳度大打折扣。至于配唱，这种东西华语歌其实不多，你可以把他当做特殊的和声，主要还是用来烘托主唱（演唱者），不太重要，一般歌曲都没有。

1.2:作曲
1.2.1:旋律，和声，调性
作曲是一首歌的核心。我想稍微学过一点音乐的同学都明白这个道理。旋律这个东西其实现在是越来越不重要了，10多年来我们发现，能听的旋律基本都听遍了，审美疲劳了。和声不细讲，比较重要，推荐星晴这首歌，和声做的很好，好像录了二十多轨。调性这个东西其实现在也不太重要了，以后无调性音乐会逐渐成为主流。

1.2.2:和弦，节奏
这两个东西非常非常重要。一首歌可以没有旋律，和声，但是一定有和弦和节奏。和弦+节奏 可以用来大致判断一首歌的流派，曲风。像爵士乐的和弦，有的很复杂，节奏决定歌曲的BPM，也能纯按这个分快歌，慢歌了。

1.3:编曲
1.3.1:乐器（实录），合成器
好的编曲真的能救场，如果说作曲是一个人的外貌，编曲就是一个人的化妆打扮。这里想说是，首先是乐器的配合度，然后是乐器的创意性，最后是乐器的丰富度。为什么我把丰富度排最后，因为大师的编曲能把极简的乐器发挥到极致，远比一大堆乐器堆砌效果好太多。至于合成器，主要还是带电子的东西嘛，不多讲，好的合成器编曲更潮，更时尚。

1.3.2:音色，氛围，流派
这块其实更考验编曲人和演唱者的配合，刚才演唱者的个人特色，气质。很大一部分可以通过好的编曲，好的音色，适当的混响铺垫，制造适合歌曲氛围，达到一个歌曲流派的效果。想想周杰伦的编曲三巨头。

1.4:制作
1.4.1:录音，混音，母带
不多讲，工业级流行音乐必备步骤。有时候感觉华语音乐总感觉没欧美那些音乐好听，真的，制作上占很大一部分原因。

关于音乐性引申出来的三点。
1.前卫性: 使用传统的声音来玩创意。（包括引用其他音乐风格，和开创新风格、复杂化音乐之类）
2.实验性: 使用编曲工具，或采样其他音乐，混合成新的音色。
3.个人气质: 人声惯用唱法，腔调，作曲惯用和弦，编曲整体流派。

2.音乐之外（外延）
音乐带给听众的主观感受，带给社会，世界的反映

2.1:时代背景（创作状态，创作意图，创作主题）
任何事物都有其时代特征。创作者做出的音乐可能符合时代背景，也可能不符合，巨大多数音乐都符合；创作者的创作状态对音乐的风格流派有很大影响，比如心情愉悦和悲伤，同一首音乐，表达出的整体氛围是压抑还是欢快；创作意图夹杂着创作者对音乐的愿景，创作者的中心思想则紧紧围绕创作主题进行。

2.2:作词（文学性，人文性，思想性）
我把作词放到音乐之外部分讨论。1是因为不是所有音乐都有词，比如纯音乐，背景音乐，影视剧原声带等等；2是因为，作者的创作的情绪，主题，背景，诸如此类带有创作者对世界观，人生观，价值观输出，最直观的体现就是词，我更愿意把词当做创作者和听众之间沟通的载体，桥梁。所谓，文以载道，也许听众无法理解抽象的作曲，编曲想要表达的观念，但是词却更具体，生动展示的将创作者想要给听众说的，做的，以及情绪输出的价值。