早上发的贴不知道咋回事吧友看不到，动用了吧务权限也没找到原因，干脆再发一遍好了

次说到，摄影与艺术故事的序幕即将在19世纪50年代拉开，在摄影术发明到50年代这二三十年之间，人们围绕“摄影究竟是不是艺术展开了讨论”，主要形成三种观点。

一，摄影不是艺术，因为他是通过机械工具和光学原理以及物理化学原理形成的，而不是通过人类的双杀和灵魂来创造。持这种观点的，以细密画派的画家为主，他们意识到，摄影可能会使他们的职业走向末日（来抢饭碗来了），所以这些画家选择坚决反对或者转投摄影，还有一些人认为摄影和印刷术一样，只能洞察表面，复制了一切，却没有阐释任何东西，无法涉足精神领域。

一幅漫画，讲的是摄影敲开了艺术的大门，绘画却企图将他踢出去

观点二，摄影对艺术来说有一定价值，但依旧无法与绘画雕塑艺术相提并论。之前有说过有，文艺复兴时期，画家使用暗箱辅助绘画，到了摄影发明时，画家用了另外一种方式，就是在照片上继续作画。还有一些画家用摄影复制他们的画作，或者拍摄绘画的题材。

19世纪美国画坛巨匠，托马斯伊肯斯，大家看看他的绘画收到了摄影的哪些影响

观点三，摄影就是艺术，与绘画雕刻一样具有艺术价值。持这些观点的，除了大批摄影师，还有英法精英阶层。

随着火棉胶湿版的诞生，摄影界的任务也越来越清晰了，就是将摄影拉入艺术行列，得到社会的认可，可到艺术界的认可。为了达到这个目的，摄影师们用了一个简单粗暴的方法，模仿绘画（打不过，就加入）。因此诞生出了摄影史上第一个摄影美学，画意摄影，从19c50s开始，一直到1912年前后，画意摄影才退出历史舞台。这60多年间，画意摄影又被分为三个阶段，即19c50s~80s的高艺术时期，80s~90s的自然主义时期，90s~20世纪初的后画意时期，这三个时期的画意摄影有什么区别呢？咱们继续说

先说高艺术画意摄影时期。这一时期真的可以说是简单粗暴，将摄影全盘画化，以绘画的标准为标准，按照绘画的原则与方法进行创作，借鉴绘画的题材与构图。具体的方法分为以下几种。
1.后期删除照片上的细节，强调重点（就很像以前楼主高中学画画时老师就一直强调的主次虚实）
2.“再现照片”，人工布置场景，也就是摆拍。
3.“合成照片”，有些摄影师擅长叙事，并开始涉足暗房处理。
4.风俗照，寓言照，叙事照。这些通常大量生产，作为旅游纪念品出售.
5.拍摄静物与人体。

叙事，风俗，静物照片

这里主要说两种，一，合成照片与叙事，合成照片可能大家都懂，毕竟合成照片算不算摄影这个问题早都让大家争破了头，但叙事照是什么呢？就是将画面安排成一个故事场景，这个故事可以是虚构的，可以是神话，可以是寓言。最出名的代表人物，也是严格意义上画意摄影的开拓者，奥斯卡·古斯塔夫·雷兰德。
他的最出名也最具代表性的作品《人生的两条路》
没错这张照片是合成的，是不是看起来很像拉斐尔前派的绘画呢？这一时期的画意摄影主要都是借鉴了古典主义绘画。这张照片由三十张底片合成，拍摄了16位模特，讲的是两位年轻人在一位神圣长者的带领下，来到了人生的路口，一边是虔诚正直的人生，一边是淫荡放浪的生活。

二，合成照片与风俗。风俗照与叙事照有什么区别呢？与叙事照的场景再现不同，风俗照中加入了“情节”的概念，强调场景的时空延展性，有更强的叙事性。依然是使用合成照的摄影师，亨利·皮奇·鲁滨逊
，他的合成照与雷兰德的底片合成不同，他是直接用照片进行拼贴，《逝去》
，讲述了一个弥留之际的少女，在家人陪伴下的场景，四个人物，形态各不相同，但互相和谐，充满了拉斐尔前派式的忧伤，照片兼顾摄影，绘画，与戏剧的效果。

这里稍微说一下合成照片，合成照片算不算摄影?这个问题比较复杂，简单来说主要还是看摄影的分类，实用摄影与艺术摄影，这里不做赘述，以后有机会再聊。但是照片合成，在火棉胶时代就已经出现了，由于火棉胶湿版自身感光性能的缺陷，碘化银只对蓝色光线与紫外线辐射较敏感，对光谱上其他颜色不那么敏感，这使得当人们拍摄含有天空的景物时，只要背景曝光正常，天空就是一片白，天空曝光正常，背景就是一片黑。于是人们想了个办法，合成照片，一张对天曝光，一张对背景曝光。早期hdr...但这也有很大的缺陷——不真实，那个时候拍一张照片不像现在，咔咔咔快的很，不光曝光时间长，底片更换时间也长，火棉胶底片还得现调现用，两张一拍，根本就不是一个场景了，天空有云，水中无云，天空正午，背景清晨都是常态了。

鲁滨逊不仅是一名画意摄影大师，他的摄影理论，放在今天同样也不过时，他曾经于1869年出版了一本《摄影的画意效果》，提到了摄影与摄影器材技术的问题，“摄影家一定要有丰富的情感与深入的艺术认识，....，技术上的改良并不等于艺术上的改进，因为摄影本身无论如何精巧完备，也只是一种引领到更高目标的手段而已”。