艾玛，没被删！那就开始！
本帖旨在学习古典音乐知识，顺便学点儿英语。
1、节奏（Rhythm）
节奏的一个要素是节拍(meter:常用意思为米)，即二拍三拍四拍
另一要素为速度（tempo）:这个会出现在曲目里，常见的有以下几种：
Largo 广板 非常缓慢
Grave 庄严而缓慢的
Lento 慢板 慢速
Adagio 柔板
Andante 行板 中速
Andantino 小行板
Moderato 中板
Allegretto 小快板 适当快速
Allegro 快板 快速
Allegro molto 很快的快板 非常快速
Vivace 活泼的，轻快的
Presto 急板
Prestissimo 最急板
知道这些词汇之后，看曲目就能明白这首曲子的大概速度了。

2、结构
旋律是横向的，音符一个接着一个，结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的方法有
使用和声(harmony:这个词有和谐协调的意思)。
和弦（Chord：即同时发出三个或三个以上的音）。以单一音乐为主，有和弦伴奏的音乐叫做主音音乐（Homophonic：homo是个词缀，指单一，比如同性恋就可以说是homosex），贝多芬和李斯特的音乐作品很多是主音音乐。
复调，也称对音符（Counterpoint：Counter-也是词缀，表示对、相反，比如counteract=counter+act：反着行动，也就是抵消的意思）。这种音乐中，取得深度的不是给一个旋律增加和弦，而是使一个旋律与另一个旋律叠置起来，使人能同时听到这两个旋律。如果同时使用两个或两个以上的“声部”创造出的音乐叫做“复音音乐（Polyphonic.poly-依然是词缀，表示许多）”巴赫被认为是复调法之王，他的最后一部作品《The art of the Fugue》被认为达到了复调法的顶峰。试听：http://y.qq.com/#type=album&id=60711
还有一个词，是“单音音乐（Monophonic: mono-是词缀，表示单个，比如monologue是一个人说话，也就是独白的意思）”这是一个声部的简单音乐，没有和弦，也没有和声，没有同步的第二个旋律。1000年以前的所有音乐都是单音音乐，这种音乐的顶峰是格利高利调式圣歌。

3、音色（tone color）
云迪的纪录片里试琴部分提到了tone这个词，tone指音调，色调，也有语气的意思。所以，在制图软件里也会看到这个词。
不同的乐器都有自己的音色，这些音色在配器法中起了重大的作用，而配器法是为管弦乐团作曲的方法。
音色所对应的不同情感有音乐家提出过对应，如下：
小提琴（violin）:表现所有情感
中提琴（Viola）:浓浓的愁思
大提琴（cello）:表现所有情感，比小提琴更强烈
短笛（piccolo）：狂欢
双簧管（oboe）：质朴的欢乐和悲怆
小号（Trumpet）:大胆，勇武和骑兵渐远的声音
大号（tuba）:力量，粗犷
这些乐器的名词在纪录片里的排练部分里有些被提到了，例如小泽征尔说小号的声音太过等等。自己回去轮一下。
浪漫作曲家会更注重音色，比如李斯特，理查施特劳斯比古典主义作曲家海顿或莫扎特更关心音色。

4、曲式（form）
Form有形式，形成，这个词在考试里经常出现啊，比如填写动词的正确形式神马的。
从这个词的意思也可以看出，曲式是作曲家的建筑形式。
在巴赫所处的巴洛克时代，人们特别注重以管风琴、古钢琴等主要乐器演奏的音乐，曲式主要为帕萨里亚舞曲（Passacaglia）和赋格（Fugue）
古典派作曲家主要感兴趣的是独奏类奏鸣曲(sonata)、交响曲(symphony)、弦乐四重奏(string quartet)和协奏曲(concerto)。而浪漫派作曲家则发展处交响诗和短小抒情的钢琴小品。如波兰舞曲（polonaise）。
如果一部小说分为第一卷、第二卷、第三卷和第四卷，音乐里称之为乐章（movement：原义为行动）。这个在纪录片里貌似也说到了的。书的每一卷由若干章组成，作曲家将其称为段（section：也有部分的意思）。乐曲中类似橘子的单位为“乐思”（musical idea），小说家使用的是文字，作曲家使用的是音符（note：这个词有很多意思，有笔记的意思，notebook自然就是笔记本的意思，还有钞票的意思）。纪录片新浪漫主义中记者问为什么要弹普二时，云迪答到“there're too many notes”，这里的note就是指音符。

具体来说音乐的段（section）。我们用A和B作为段的名称，由此构成的曲式氛围二段式和三段式两种。
二段式：每个段都可以重复，一般为A-A-B-B的曲式。在二段式曲式中，B段通常是对A段略加变奏产生。
三段式：作曲家的典型做法是首先出现A，然后B，再回到A，即A-B-A，这里的B和A形成鲜明的对比，第二次出现的A可以和第一次的完全一样，也可以是它的变奏。典型的三段式作品如海顿和莫扎特的小步舞曲（monute）。
重复在古典音乐中占据了主导地位，音乐结构中的重复可分为五种类型：完全重复、兑成式重复、变奏式重复、赋格式重复和发展式重复。
（Fugue：赋格：单独的一个声部唱出它的主题，唱完后，第二个声部或移高五度或降低四度进入。与此同时，第一个声部继续唱“对应主题”，也叫第二主题，用来在节奏、和声、及旋律方面与主题形成对比。每个声部依次唱出主题，常常是另一个声部伴唱对应主题，其它的声部所起的作用随作曲家的想象而定。当所有的声部都“到齐”了，就不再有什么规则了。）去听听相应的曲子就OK鸟。

接着来~
从主音（tonic：即选择的起始音）开始，并且包括第三个和第五个音在内的三音和弦叫做主音和弦（tonic chord）,调性的基本表现是主音和属音（dominant：属音指主音上方纯五度的音），主属音奥妙无穷，是一种令人满意的声音，即“协和音”（consonance:这个词有一致的意思）。
一些作曲家后来脱离了以音调或调性为基础的音乐，进行不同音型组合的尝试，某些作品对当时的听众来说极其刺耳，即使到了今天，有些仍然难以接受，当作曲家完全摆脱了调性的概念，不再围绕主音创作之后，便在作品中产生了“不协和音”。而“变化音”（chromatic tone：chromatic源于希腊文，意为染色。）是作品调性以外的音，如果作品是C大调的，那么任何一个黑键都是变化音。作品中出现一些变化音不会改变音乐的基调，少量的不协和音也不会干扰听众欣赏音乐。有的作曲家为了增加对比和紧张的效果而在音乐中加入一些不协和音。
例如：舒伯特的著名歌曲之一《魔王》：讲述了父子在森林中骑马狂奔，以逃避用手指啥人的魔王的故事，父亲用低音演唱，儿子用高音演唱，音乐主体是一个调，然而魔王演唱时却用了另外一个调，而且一段一变，以营造紧张气氛，男孩的声音每次都比钢琴的高音高出伴音，这也是令耳朵最不舒服的声音。舒伯特有意用这种不协和的高音突出气氛。
在探索的过程中，有些人扩展了调性的涵义，他们的作品同时使用两个调，结果导致“双调性”（bilonality：艾玛，词缀又来了，bi-是两个，双的意思，比如bisexual就是双性恋的，bicycle就是两个轮子的车--自行车，表示三个的词缀是tri，比如triangle就是tri+angle，三个角--三角形），拉威尔、斯特拉文斯基、巴托克和普罗科菲耶夫（此人就是云迪童鞋乐动柏林里弹奏的那首普二的作曲）都进行过此类探索。
有些人同时使用两个以上的调，创作“多调性”（polytonality：前面说了poly这个词缀，是多的意思，poly+tonality，好理解了吧）。普罗科菲耶夫、巴托克、斯特拉文斯基就是这些实验者中的几位。
6、旋律（melody）
旋律是由连续演奏的一些音符所造成的，旋律是该曲子要表达的意思。

今儿差不多了，明儿再来

谁帮我改下格式啊，我汗

睡前再普及一个英文单词，我觉得是云迪最爱的单词之一了，那就是：
atmosphere
这个词我听他说了好多好多遍，有空气，大气，气压的意思，当然云迪说的不是这些意思了，他说的是气氛、氛围。所以说他是很在意构造音乐的氛围和感觉的。
构词法：词缀（这个东西很高端，学会一个词缀，就能轻松背诵很多单词）atmo--大气的意思，词根（跟词缀的作用相同）：sphere 层
例：festival atmosphere 节日的氛围
The atmosphere over dinner was warm and friendly。用餐时洋溢着友好热情的气氛

第二天，继续学习~
昨天总结了各个时期的音乐特征和代表人物，今天针对各个时期的特征解释一些名词：
1、文艺复兴时期（Renaissance 这是个常用专有名词，因为文艺复兴太重要了）
特征：不累述
器乐的音乐形式：
舞曲（dances）：在法国宫廷流行的几种舞蹈形式是：帕凡舞曲（pavane）；嘉雅舞曲（galliard），还有布朗莱舞曲（branle）。
奏鸣曲（sonata）:这个词重要！接触的很多啊。文艺复兴时期，奏鸣曲职位乐器谱写，是一种乐器独奏用的特殊曲式。
无插入赋格（ricercar）：按照调法谱写的器乐曲，有几个声部轮流模仿主旋律。
2、巴洛克时期
音乐形式：
大协奏曲（concerto grosso）：与后来的协奏曲不同，他是在室内向少数听众演出的合奏音乐。由一个弦乐团演奏，乐团由不超过四种乐器（两把violin，一把viola和一把cello）组成一组，并由若干独奏乐器组成另一组。一般包含3-4个乐章。
独奏协奏曲（solo concerto）：这是大协奏曲的一个分支，结构上相似，但是独奏协奏曲只突出一种乐器。例：巴赫《E大调小提琴与弦乐的协奏曲》。
歌剧古序曲（solo sinfonia）：最初是歌剧的序曲。
帕萨卡利亚舞曲(passacaglia)：本是一种缓慢的西班牙舞曲，后来发展成为一个固定低音旋律上添加许多变奏的乐曲，通常为管风琴谱写。
前奏曲（prelude），幻想曲（fantasy）,托卡塔（toccata）:风格自由的短乐曲，通常为键盘乐器而写。例：巴赫《d小调托卡塔与赋格》中的托卡塔部分。
组曲（suite）：组曲是巴洛克时期重要的器乐曲，这个时期他是几种不同的舞曲形式的组合，通常按照一定的顺序，而且用同一个调。
管弦乐组曲（orchestral suite）：这是为巴洛克的管弦乐团写的。例：巴赫《b小调第二管弦乐组曲》。
赋格（fugue）：这个词来源于拉丁文，意思是飞翔，在乐曲中，就是一个固定的主题从用一种人声或器乐演奏飞跃到另一种上去。赋格的基础是模仿，一个支配整个过程的主题曲用两三种或更多的声部来回应。固定模式是：一个声部陈述一个主题，然后另一个声部进行模仿，这叫做答题（answer），而第一声部则同时出现“对题”（countersubject:Counter出现了！这个词缀还记不记得啊各位？）。如果有四个省部，主题将在第三声部中出现，并在第四声部中答题。同时，第一二声部结合成为他们对应的复调结构。巴赫是公认的赋格技术的头号人物，例《g小调赋格》。
巴洛克奏鸣曲（baroque sonata）：通常有4个乐章：慢、快、慢、快。大部分是为小提琴写，用拨弦古钢琴作为低音伴奏。

3、古典时期（产生了音乐史上最重要的三种曲式并达到了巅峰：交响曲，弦乐四重奏，键盘奏鸣曲）
奏鸣曲式（Sonata-form）：奏鸣曲既为键盘乐器，也为双簧管、小提琴或大提琴等乐器谱写，后者有钢琴伴奏，实际上并不是独奏曲。最初，古典奏鸣曲分三个乐章：快、慢、快。第一和第三乐章通常用一个调，第二乐章用另一个调。
奏鸣曲式包括三个部分：呈示部、发展部、再现部。第一部分提出三个主题：第一个主题，接着是补充主题或副主题，然后是结束主题。这些主题在提出之后，可以重复一下，以结束第一部分。第二部分是发展部，作曲家把他的主题加以重复和结合，选择一些片段加以扩展，并且转入不同的调，并引出某种高潮。第三部分再现部是把第一部分的主题加以变化。
插入一个：诙谐曲（scherzo）：在意大利文中是逗笑的意思，最初在风格上和小步舞曲相像，后来变成了一种较快的乐曲，不适用在舞蹈上。浪漫时期的肖邦和勃拉姆斯等作曲家写了他们称为 诙谐曲 的单独乐曲。相信大家都听过了。
最后，奏鸣曲式是经久不衰的！

交响曲（symphony）：古典时期，成就最大的作品是海顿、莫扎特和贝多芬的交响曲。有史以来20首最好的交响曲，大约有一半或更多是由这三位在较短的时期内携程的。包括贝多芬的《第三号》，《第五号》，《第六号》，《第七号》和《第九号》；莫扎特的《第三十五号》、《第三十九号》，《第四十号》、《第四十一号》；海顿的《第九十二号》和《第一零四号》。
作曲家除了使用奏鸣曲式来谱写古典交响曲的第一乐章外，还遵守第二三四乐章的标准格式。第二乐章一般采用慢速，第三乐章是小步舞曲或诙谐曲，而最后一个乐章通常采用较快速度，这被成为回旋曲式（rondo form:回旋曲是在奏鸣曲和交响曲中都可以找到的另一种曲式，这种曲式中，一段副歌refrain 和与之对比的段落交替出现，顺序可以是A-B-A-C-A。）云迪的悲怆3就是回旋曲。贝多芬和莫扎特都为钢琴谱写回旋曲。例莫扎特《a小调回旋曲》

奏鸣曲（sonata）：巴洛克时期的奏鸣曲在结构上主要有互相交错的旋律，而古典奏鸣曲含有单旋律加和弦的和声。复调法作为一种补充的工具。贝多芬是最卓越的钢琴奏鸣曲作曲家！有几首贝多芬的钢琴奏鸣曲是这种曲式的最好例子，包括《c小调第八号奏鸣曲》“悲怆”、《c大调第二十一号奏鸣曲》 “华德斯坦”和“热情”
同志们，参照资料把云迪的《贝多芬》专辑轮起来吧！活生生的实例啊有木有！