《秋宵步月》是《西麓堂琴统》中相当精彩的一曲，而它之前的《秋夜吟》，则只是一个作曲水平并不是很高的小曲，除了泛音这一段比较有意思外，整体上显得单调。我当初打这个曲子，其实只是觉得“碧玉调”调弦太烦，而且一旦调完便只能弹《秋宵步月》，有点可惜，于是决定把该曲之前的《秋夜吟》也弹出来，如此而已。
而由此产生的几个问题是：首先，这样的小曲有没有打谱的必要？我个人以为，一方面，虽然相比起《秋宵步月》来，这个曲子水平不高，但是它仍然是一个很天真活泼的作品，比起如今的很多练习曲来还是要高明很多；另一方面，从打谱的角度看，其实如果不把一个曲子真正弹出来，而且怀着同情心态将其尽可能的弹好，是无法确知这个曲子的真实水平的。记得在01年的常熟打谱会上，某著名琴家说好的谱子都被老先生们打完了，我们今天已经没有必要打谱，这话是完全不成立的。老先生们打谱，其实也有一定的随机性，比如说60年代集中打《孤馆遇神》《广陵散》，是为了纪念嵇康等等之类，这属于从主题出发的选曲。又有从乐曲结构等角度切入的选曲，在此就不多展开了。
其次，我们今天是否需要强调打谱？答案显然是肯定的。就我十几年的观察而言，琴坛整体上是因袭多而创新少，大多数琴人只是固守着二三十首所谓的经典琴曲，以刻意模仿老先生或者刻意背离老先生的演奏为能事，而音乐批评，则更停留在一个比较低的层面。这与西方音乐的不断推陈出新是完全脱节的。当然，我们可以说，学古琴的人大多数只是业余，没有达到专业的水准，谈不上创新；但是专业的琴人难道就有多少创新了吗？在各种层次的演奏会上，演出曲目的选择标准有时想想无非是四个字：耳熟能详。这或许是因为演奏者自己也知道，为了抓住最多的观众，所演奏的曲目应该是大多数观众所熟知的，演奏一首经典曲目一般都比演奏一首新曲能够获得更多的掌声。
但是问题在于，有多少琴人能够问一问自己，我弹奏的琴曲是否真的表现出了我内心的声音？这是属于我的琴曲吗？即使同样是演奏经典曲目，是否真正如盐溶于水一般地将自己融入琴曲之中？创作和打谱更是如此：你所感知到的一个个音符，是否能够与你内心的声音融为一体？——我在这里所说的内心的声音，绝不是一种文学性的比喻，而是实实在在的感受。昨天看一个小提琴家的纪录片，其中也说到不拉琴时在头脑中感受音乐的旋律，这也许是更重要的音乐练习。渐渐地，就能在不知不觉中让自己和音乐合一。
打谱的过程便必须贯穿这样一种练习方式。一句乐句中的个音符如何安排，句与句如何接续？这不是把一个个手法弹出来的问题，而是在头脑中如何形成音乐的问题。这个过程需要多长？很难讲，但是这个过程一定是从发现一个好的乐句开始的。正因为发现了一个好的乐句（这里的“发现”，或许便是主观的音乐感觉和客观的谱本有一个结合，换句话说，便是形成了一句属于自己的音乐），才会觉得这个谱有打下去的价值，然后这种好的感觉才会逐渐扩散到全曲，慢慢形成一个完整的谱本。《秋夜吟》就是如此，其实这个曲子泛音之后就没有任何精彩之处了，但正因为这段泛音的存在，这首曲子对于我来说，也就有了一点趣味。
由此而言，我们对演奏的评价标准也需要有所调整：对于跨过初学者门槛的琴人来说，我们或许并不应该过于纠缠某段演奏中有多少问题，诸如音色不够饱满节奏不够稳定等，而更应该注意其中是否存在一些别人无法达到的优点——比如说成公亮老师，如果硬是要分析下去，其演奏音色不够干净沉厚的问题确实存在，但是其手法细腻情感充沛的优点，则琴坛几乎无人可及——我相信，只有将评价的关注点转向如何更为优秀，而不停留在如何少犯错误上，才能促使真正的创新的产生。
而由此产生的几个问题是：首先，这样的小曲有没有打谱的必要？我个人以为，一方面，虽然相比起《秋宵步月》来，这个曲子水平不高，但是它仍然是一个很天真活泼的作品，比起如今的很多练习曲来还是要高明很多；另一方面，从打谱的角度看，其实如果不把一个曲子真正弹出来，而且怀着同情心态将其尽可能的弹好，是无法确知这个曲子的真实水平的。记得在01年的常熟打谱会上，某著名琴家说好的谱子都被老先生们打完了，我们今天已经没有必要打谱，这话是完全不成立的。老先生们打谱，其实也有一定的随机性，比如说60年代集中打《孤馆遇神》《广陵散》，是为了纪念嵇康等等之类，这属于从主题出发的选曲。又有从乐曲结构等角度切入的选曲，在此就不多展开了。
其次，我们今天是否需要强调打谱？答案显然是肯定的。就我十几年的观察而言，琴坛整体上是因袭多而创新少，大多数琴人只是固守着二三十首所谓的经典琴曲，以刻意模仿老先生或者刻意背离老先生的演奏为能事，而音乐批评，则更停留在一个比较低的层面。这与西方音乐的不断推陈出新是完全脱节的。当然，我们可以说，学古琴的人大多数只是业余，没有达到专业的水准，谈不上创新；但是专业的琴人难道就有多少创新了吗？在各种层次的演奏会上，演出曲目的选择标准有时想想无非是四个字：耳熟能详。这或许是因为演奏者自己也知道，为了抓住最多的观众，所演奏的曲目应该是大多数观众所熟知的，演奏一首经典曲目一般都比演奏一首新曲能够获得更多的掌声。
但是问题在于，有多少琴人能够问一问自己，我弹奏的琴曲是否真的表现出了我内心的声音？这是属于我的琴曲吗？即使同样是演奏经典曲目，是否真正如盐溶于水一般地将自己融入琴曲之中？创作和打谱更是如此：你所感知到的一个个音符，是否能够与你内心的声音融为一体？——我在这里所说的内心的声音，绝不是一种文学性的比喻，而是实实在在的感受。昨天看一个小提琴家的纪录片，其中也说到不拉琴时在头脑中感受音乐的旋律，这也许是更重要的音乐练习。渐渐地，就能在不知不觉中让自己和音乐合一。
打谱的过程便必须贯穿这样一种练习方式。一句乐句中的个音符如何安排，句与句如何接续？这不是把一个个手法弹出来的问题，而是在头脑中如何形成音乐的问题。这个过程需要多长？很难讲，但是这个过程一定是从发现一个好的乐句开始的。正因为发现了一个好的乐句（这里的“发现”，或许便是主观的音乐感觉和客观的谱本有一个结合，换句话说，便是形成了一句属于自己的音乐），才会觉得这个谱有打下去的价值，然后这种好的感觉才会逐渐扩散到全曲，慢慢形成一个完整的谱本。《秋夜吟》就是如此，其实这个曲子泛音之后就没有任何精彩之处了，但正因为这段泛音的存在，这首曲子对于我来说，也就有了一点趣味。
由此而言，我们对演奏的评价标准也需要有所调整：对于跨过初学者门槛的琴人来说，我们或许并不应该过于纠缠某段演奏中有多少问题，诸如音色不够饱满节奏不够稳定等，而更应该注意其中是否存在一些别人无法达到的优点——比如说成公亮老师，如果硬是要分析下去，其演奏音色不够干净沉厚的问题确实存在，但是其手法细腻情感充沛的优点，则琴坛几乎无人可及——我相信，只有将评价的关注点转向如何更为优秀，而不停留在如何少犯错误上，才能促使真正的创新的产生。
